Revue À bâbord !

Le populisme de gauche. À tort ou à raison ?

Anne-Marie Le Saux, Ricardo Peñafiel, Claude Vaillancourt — 2021-03-11T20:36:00Z

Le populisme n'a pas souvent bonne presse. Il est vu comme une façon complaisante de faire de la politique, jouant sur les plus bas instincts de la population, sur les émotions premières et irréfléchies, simplifiant les enjeux autant que possible, s'ouvrant aux grossières manipulations de l'électorat. Mais cette vision ne fait pas l'unanimité. Certain·e·s penseur·e·s et personnalités politiques considèrent que le populisme s'attaque en fait à l'élitisme, à une classe dominante qui se sert de la politique pour consolider ses privilèges.

Au Québec et dans les pays occidentaux, ce courant est surtout associé à l'extrême droite. Des radios privées de Québec à Donald Trump aux États-Unis, en passant par Jair Bolsonaro au Brésil, le Front national en France et la Ligue en Italie, le recours à un discours manichéen et très émotif, alimenté par la haine et le ressentiment, a semblé donner des résultats concrets lors d'élections.

Si bien que la gauche se pose la question : et s'il fallait emprunter un ton plus frondeur, mais avec une nette préoccupation pour la justice sociale ? Et si l'approche générale de la gauche, ces dernières années, était trop inaccessible, coupée du « vrai monde » ? Et si le populisme de gauche était tout simplement la meilleure réplique au populisme de droite ?

Nous n'avons certes pas l'intention de donner une réponse définitive à ces questions complexes dans ce dossier. Mais il nous semblait essentiel de bien nourrir la réflexion. Paradoxalement, le populisme a beaucoup intéressé des intellectuel·le·s qui essaient de le comprendre et de s'en approprier, quitte à ce que ce discours s'éloigne de celles et ceux qu'il concerne. Il est aussi vécu au quotidien par les personnes qui font de la politique et qui en voient les avantages et les inconvénients.

Chose certaine, il peut sembler tout aussi difficile à rejeter en bloc qu'à adopter sans réserve. Nous espérons que les textes de ce dossier puissent vous permettre de jeter un regard différent sur un phénomène parfois difficile à circonscrire en raison de la multiplicité des formes dans laquelle il se présente.

Dossier coordonné par Anne-Marie Le Saux, Ricardo Peñafiel et Claude Vaillancourt

Illustrations par Sébastien Marchal

Avec des contributions de Benoit Coutu, Jean-Pierre Couture, Marc-André Cyr, Catherine Dorion, Ludvic Moquin-Beaudry, Roxana Paniagua Humeres, Dominique Payette, Federico Tarragoni, Élisabeth Vallet et Frédérique Verreault

Pour la vitalité de l'espace public

Anne-Marie Le Saux — 2020-11-22T20:09:40Z

La vitalité des sociétés démocratiques repose sur leur capacité à accueillir les tensions et les contradictions inhérentes à la vie humaine et sociale. Ce n'est qu'à travers des espaces publics dynamiques que l'expression du conflit peut se faire entendre, permettant ainsi la mise en place de mécanismes de régulation sociale librement acceptés par l'ensemble des citoyen·ne·s.

Sans la reconnaissance de l'inéluctabilité du conflit et du désaccord, le dialogue, dans ce qu'il a d'irrémédiablement exigeant et complexe, devient ardu, voire impossible. De plus en plus réduit à la dynamique interne des médias sociaux qui invite à la réaction instantanée, à l'expression de l'opinion tranchée, à la polémique dont le seul but est en définitive de faire taire nos adversaires, l'espace public se voit de plus en plus fragilisé.

Le 7 juillet dernier, plus de 150 personnalités publiques, dont les autrices Margaret Atwood, Gloria Steinem et J. K. Rowling, l'écrivain Salman Rushdie ainsi que l'intellectuel Noam Chomsky signaient une « Lettre sur la justice et un débat ouvert ». Selon les signataires de cette lettre, dans un contexte étasunien traversé urbi et orbi par les dérives de la présidence ultradroitière de Trump et la radicalisation des courants progressistes qui carburent à la culture du bannissement (cancel culture) [1], l'échange libre des informations et des opinions divergentes devient de plus en plus difficile. Tout en saluant les manifestations et les actions politiques qui favorisent la justice raciale et sociale et demandent davantage d'égalité et d'inclusion, les signataires regrettent que « cette nécessaire prise en compte [ait] aussi renforcé tout un ensemble de postures morales et d'engagements politiques qui risquent d'affaiblir les règles du débat public et l'acceptation des différences au profit d'un conformisme idéologique [2] ».

Quelques ouvrages publiés au Québec ces dernières années témoignent de similaires inquiétudes quant au dynamisme fragilisé de l'espace public, notamment l'ouvrage collectif Liberté surveillée. Quelques essais sur la parole à l'intérieur et à l'extérieur du cadre académique sous la direction de Normand Baillargeon [3] et celui de Pierre Mouterde Les impasses de la rectitude politique [4]. En dépit de ma résistance à utiliser la notion de rectitude politique en raison de ses manifestations historiques diffuses, diverses et contradictoires, l'ouvrage de Mouterde me semble évoquer à juste titre à la fois l'enfermement dans le prisme des particularismes des luttes, l'indignation comme réponse première à des questions souvent complexes, ainsi que la difficulté à construire un projet politique commun capable d'embrasser l'universel et le particulier.

La réduction de la pensée complexe

Deux phénomènes ne se situant pas au même niveau me semblent notamment participer à l'étiolement de l'espace public. D'une part, le renforcement de la dynamique interne des réseaux sociaux carburant à l'instantanéité laisse apparaître une réduction de la pensée complexe. Cette dernière laisse ainsi la place à une diffusion de formules langagières qui s'apparentent aux slogans. Une représentation caricaturale du conflit devient alors inéluctable. D'autre part, les conduites individuelles et collectives de plus en plus addictives alimentant l'économie du désir affaiblissent aussi l'espace public.

En raison de leur dynamique interne, les réseaux sociaux deviennent de puissants vecteurs de slogans et d'opinions lancées à coups de hashtags. Bien que le slogan ne soit pas vide de sens, il ne peut se substituer à un concept qui cherche à décrire avec une certaine distance une réalité sociale, culturelle, politique, existentielle, etc. Les débats qui se sont déroulés sur les réseaux sociaux relativement à « l'affaire SLAV » font à notre sens office d'exemple type d'une réduction des enjeux complexes contribuant à une indistinction entre une pensée dogmatique et une manière plus réflexive de décrire le conflit.

Bien que cette pièce ait fait surgir des questions d'une grande actualité politique sur la pertinence de la représentativité des descendant·e·s afro-américain·e·s dans les productions culturelles et les demandes de reconnaissances des violences historiques passées et actuelles, le débat au sein des médias sociaux s'est polarisé autour de propos réducteurs relatifs aux intentions conscientes ou inconscientes de Robert Lepage et de son entourage artistique immédiat. Tandis que nous étions

affairé·e·s à nous questionner sur la culpabilité de Robert Lepage (est-il raciste, fait-il de l'appropriation culturelle, est-il un représentant du pouvoir blanc, etc.), rares ont été, du moins sur les réseaux sociaux, les stimulantes réflexions portant sur la proposition artistique en tant que telle (« pas besoin d'avoir vu la pièce pour la critiquer » pouvions-nous lire parfois).

Bien que l'art et le politique puissent se rencontrer, ils constituent aussi deux domaines distincts de la vie sociale, deux façons singulières d'appréhender le monde avec leurs codes, leurs forces, leurs limites. Ces deux manières de connaître et de représenter le monde n'ont peut-être pas à être en accord et peuvent coexister dans l'espace public dynamisé par la pluralité des voix. Ainsi, en tant que représentation tirant à la fois de l'expérience et de l'imaginaire, l'art, et dans ce cas précis le théâtre, n'a pas de compte à rendre ni à la vérité ni à la morale. Bien que l'avènement de la modernité historique ait apporté d'importantes réflexions sur l'hétéronomie de l'art, il me semble pertinent de se souvenir que le théâtre à l'origine est la création d'un espace consacré à la transgression sous les auspices de Dionysos.

Économie du désir et capitalisme addictif

Le second phénomène qui participe à l'effritement de l'espace public pourrait se comprendre à travers le « capitalisme addictif » évoqué par le sociologue Patrick Pharo [5]. Pour saisir la dynamique de la dépendance aux médias sociaux et à la consommation, Pharo prend comme modèle explicatif la dépendance aux drogues. À mesure que la dépendance s'installe, le besoin se substitue au plaisir, la drogue devenant ainsi une entrave dont les consommatrices et les consommateurs voudraient se libérer. Lieux de visibilité sociale, chambres d'échos de ce qui nous agite collectivement, les médias sociaux contribuent à exacerber le désir et, au fil du temps, le besoin de s'inscrire rapidement dans les débats sociaux du moment. Que ce soit par l'entremise d'une opinion tranchée, d'une pensée manichéenne, d'une indignation morale, d'un coup de gueule, apparaît ce besoin irrépressible d'exister dans l'espace publico-médiatique.

Conscient·e·s d'entretenir un rapport addictif aux médias sociaux, nous nous retrouvons submergé·e·s « dans une mécanique du désir [6] ». En tant que lieux propices à un rapport addictif, les médias sociaux exacerbent à la fois nos déceptions et notre besoin de gratifications sur le marché de la concurrence des individualités. La difficulté de nous affranchir ne serait-ce qu'un tantinet de ce type de rapport est évidente, en témoigne notamment la désintoxication numérique (digital detox) qui ne dure parfois que le temps de publier un témoignage sur le sujet. Par leur mécanique même (comme le disait Marshall McLuhan : « le médium est le message »), les différents médias sociaux qui s'inscrivent dans le prisme de l'instantanéité sont infléchis par des algorithmes qui exacerbent les polarisations de discours, nous invitant à des réponses réactives plutôt que réflexives. C'est en ce sens que l'espace public se détériore au profit d'un capitalisme qui tire profit de notre besoin addictif de commenter l'actualité politique, les enjeux de société ou les faits divers.

Pour un goût du dialogue

La mise en place de conditions propices à l'expression d'individus réflexifs et libres relève d'une responsabilité collective et d'un goût pour la rencontre et le dialogue, ce qui implique une ouverture à ce qui d'habitude nous offusque et nous déconcerte. Il ne s'agit pas bien entendu d'accepter les systèmes de domination dans leurs expressions les plus diverses, mais plutôt de mettre en place les conditions permettant à la fois une pensée complexe et la libre expression des individus. En prenant soin de nos espaces publics, en leur permettant de recevoir la pluralité qui constitue notre condition humaine, nous pourrons ainsi troquer la dictature de l'opinion, la rectitude politique, l'indignation morale, les dogmatismes de tous acabits et notre addiction aux médias sociaux pour la vitalité politique et démocratique de nos sociétés. Comme le défend la philosophe politique Hannah Arendt, la liberté n'est pas l'objectif de la politique, elle en est sa condition essentielle.

[1] Pour les autrices et auteurs de la lettre, la culture du bannissement serait une dictature de l'opinion ainsi que l'expression d'une censure culturelle consistant à faire taire les points de vue qui nous indignent. Bien que les signataires dénoncent les différentes formes que prennent cette dictature de l'opinion par la droite et la gauche, leurs critiques s'adressent surtout à une certaine gauche. Pour une interprétation différente de la culture du bannissement, lire l'entrevue « La cancel culture, dernier recours d'une population sans autre voix que l'Internet » donnée pas Laure Murat, historienne, essayiste et professeure de littérature à l'Université Californie. Entrevue publiée dans Le Monde le 1er août 2020.

[2] Extraits de la lettre traduite et reproduite en intégralité par Le Monde : « Notre résistance à Trump ne doit pas conduire au dogmatisme ou à la coercition ». En ligne : www.lemonde.fr/idees/.

[3] Montréal, Leméac, 2019, 272 p.

[4] Montréal, Varia, 2019, 168 p.

[5] Le capitalisme addictif, Paris, PUF, 2018, 344 p.

[6] Jean-François Dortier, « L'économie du désir, peut-on lui résister ? », Sciences Humaines, juin 2018, no 304, p. 39.

Photo : Steve Giasson. Performance invisible n° 151.

Cette performance invisible réalisée par l'artiste conceptuel Steve Giasson nous invite à déplacer notre réflexion sur les dispositifs et mécanismes de surveillance qui tracent les pourtours de nos actions quotidiennes. Pouvons-nous surveiller rien alors que la société nous surveille ? Cette performance pourrait être vue comme une invitation à réfléchir sur ce qui contrôle, limite et empêche la parole libre au sein des sociétés contemporaines fragilisant ainsi l'espace public.
Steve Giasson est un artiste conceptuel à la pratique engagée s'appuyant sur des œuvres d'autres artistes, des fragments historiques ou quotidiens afin de mettre à mal les notions romantiques d'authenticité et d'originalité et de démystifier le processus créateur et la figure de l'artiste. Ses œuvres, allant du banal au subversif en passant par une critique politique, sont marquées par l'utilisation d'une grande variété de formes et de médias (écriture conceptuelle, art performance, micro-intervention sculpturale, vidéo, photographie…). Son travail a été présenté dans treize pays d'Amérique du Nord, d'Europe et d'Asie, dans le cadre de neuf expositions personnelles et de nombreuses expositions collectives.

Anne-Marie Le Saux

Quand l'art se mêle de politique

Yannick Delbecque, Anne-Marie Le Saux, Claude Vaillancourt — 2020-06-19T17:33:00Z

Le collectif de la revue À Bâbord ! vous invite à un lancement festif de son numéro 78, contenant un dossier thématique intitulé : Quand l'art se mêle de politique. Sous la forme d'un cabaret politico-musical, le lancement se tiendra au Quai des brumes (4481 Rue Saint-Denis, Montréal), le 4 mars à partir de 17h30. Tous les détails ici.

Entrée libre. Bienvenue à toutes et à tous !

Il est bien souvent difficile de restreindre la parole des artistes, qui n'ont jamais craint d'appuyer les révoltes populaires, d'exprimer aussi bien les aspirations que les frustrations collectives, de critiquer les puissants. Quand une dictature se met en place, c'est aux artistes qu'on s'attaque le plus souvent en premier, si leurs propos ne s'accordent pas avec celui du pouvoir politique. Dans notre démocratie soumise à la dictature des marchés, de nombreux artistes refusent de se mettre au service du système et de fournir les œuvres inoffensives et anesthésiantes qu'on leur demande, parfois à leurs propres risques. Si bien que les artistes n'arrivent pas à être neutres : ou ils sont complices, ou ils sont dénonciateurs.

En concevant ce dossier, nous avons constaté à quel point l'art engagé est bien vivant, diversifié et toujours aussi pertinent aujourd'hui. Que ce soit au cinéma, au théâtre, en musique, en littérature ou en arts visuels, de très nombreux artistes refusent de se plier à l'ordre néolibéral, expriment leurs convictions féministes, environnementalistes, antiracistes, anti-systémiques, avec imagination et créativité, en évitant de tomber dans le piège du moralisme ou de la culpabilisation.

En fait, l'art engagé semble si dynamique et si présent aujourd'hui, et dans un passé récent, qu'il ne nous a été possible, dans ce dossier, que d'en couvrir une petite partie. Il faut donc concevoir les articles réunis ici comme un instantané, un portrait sur le vif, pris d'un angle particulier qui aurait très bien pu être un autre, tout en étant représentatifs des luttes contemporaines dans leurs particularités et leur diversité. Si les problèmes aujourd'hui semblent exacerbés par les effets qu'ils ont sur l'avenir de la planète – pensons aux problèmes environnementaux, migratoires et d'inégalités sociales – il demeure rassurant que de nombreux artistes se mettent au diapason des grands combats, en se servant de leur pouvoir de séduire et de fasciner pour renforcer notre volonté de résister.

Dossier coordonné par Yannick Delbecque, Anne‑Marie Le Saux et Claude Vaillancourt

Avec des contributions d'Étienne Beaulieu, Anithe de Carvalho, Dominic Champagne, Ève Lamoureux, Virginia Pésémapéo Bordeleau, Brigitte Poupart et Queen Ka.

La majorité des photos qui illustre ce dossier provient de Quand l'art passe à l'action (ATSA), compagnie co-fondée par les artistes Pierre Allard et Annie Roy en 1997, afin de rendre hommage à Pierre Allard, qui nous a quittés le 25 novembre 2018 et dont l'engagement artistique et citoyen a été plus qu'exemplaire.

Nous remercions chaleureusement Annie Roy de nous avoir permis d'utiliser ces images qui montrent à quel point les créations de l'ATSA ont su combiner, avec une rare habileté, l'art et les combats pour la justice sociale.
Nous sommes particulièrement heureux et heureuses d'accueillir l'ATSA dans nos pages et lui souhaitons de belles années de création et de militance à venir.

Photo : ATSA

De l'autonomie de l'art

Anne-Marie Le Saux — 2020-06-19T17:25:52Z

La rencontre entre l'art et le politique n'a cessé de se reconfigurer au fil des traditions et des démarches esthético-politiques de toutes sortes, allant des expériences subversives des dadaïstes aux œuvres surréalistes en passant par les critiques du Refus global à l'art public de l'ATSA.

À travers le prisme de l'actualité sociopolitique du moment, certaines questions reviennent avec plus d'insistance : quel est donc le rôle de l'artiste dans la cité, comment penser la liberté de l'artiste (et aussi celle du spectateur·trice), en quoi faut-il (ou ne faut-il pas) préserver l'autonomie de l'art ?

L'idéologie de l'art autonome s'explique dans l'opposition qui se creuse tout au long du 19e siècle entre une culture savante et une culture de masse ; opposition due à la formation d'un marché et à la disparition du médiateur entre l'artiste et le public que représentait autrefois le mécène. L'art autonome se constitue ainsi en réaction à un art de masse, et vice versa, dans un mouvement de rejet mutuel. L'art savant, autonome, c'est-à-dire l'art qui est à lui-même sa propre fin suscitant un plaisir désintéressé, trouve son expression la plus achevée dans la théorie kantienne des beaux-arts.

La défense d'un art autonome trouvera également écho à travers le slogan « l'art pour l'art » théorisé entre autres par le poète et critique d'art français Théophile Gautier. Pour les tenants et émules de l'art pour l'art, la valeur intrinsèque de l'art est dépourvue de toute fonction didactique, morale ou utile. Derrière cette conception de l'autonomie de l'art se profilent notamment la figure de l'artiste de génie et le récepteur idéal. Tout comme l'artiste de génie, le récepteur idéal s'adonne à un regard « pur » sur l'œuvre sans a priori d'ordre conceptuel, moral ou utilitaire. Traversé par l'objet, le récepteur en vient à transcender sa subjectivité pendant l'expérience esthétique. À l'ère de son autonomie, l'œuvre se veut ainsi une totalité organique et cohérente, un monde à part, sacré. Depuis les avant-gardes jusqu'à la postmodernité en art, l'idéologie de l'art autonome sera toutefois fortement contestée. Après cette désacralisation de l'art et, du même souffle, la mort de l'auteur·trice, la réception devient le lieu privilégié de la signification. La théorie du désintéressement est abandonnée et l'expérience esthétique est redéfinie comme une expérience déterminée par le contexte sociohistorique du récepteur-trice, donc relatif et difficilement partagé de façon universelle. Comme le mentionne l'historienne de l'art Patricia Esquivel, « dans la théorie postmoderne, l'art perd sa prérogative de présenter un contenu ontologique auquel on a renoncé à avoir accès, mais il retrouve en contrepartie sa fonction communicative et sociale [1] ». L'art ne serait donc plus ce monde à part capable de transcender les contextes sociopolitiques environnants et les sensibilités des récepteurs·trices.

Le monde de l'art ou « un ailleurs pour penser le monde »

Bien qu'il soit impossible de faire fi de la « fonction communicative et sociale de l'art » et que l'idéologie de l'autonomie de l'art n'est pas sans comporter un élitisme certain (il y a celles et ceux ennobli·e·s par leur sens de la distinction qui possèdent les codes pour comprendre « ce monde à part » et les autres qui ne les possèdent pas), la préservation d'une autonomie de l'art a sa pertinence. En reconnaissant les codes et les normes propres au champ de l'art, nous préservons à la fois la spécificité de la connaissance produite par l'art et la réception jamais universelle de l'œuvre. En ce sens, l'art constitue « un ailleurs pour penser le monde », un lieu où nous ne faisons rien comme ailleurs. L'art comme territoire, comme espace dans lequel il devient possible de représenter des pans du réel sans jamais qu'il ne s'agisse d'une transposition parfaite ou didactique de celui-ci, en dépassant le simple calque.

Cette spécificité de la connaissance produite par l'art ne signifie pas pour autant qu'il faille oublier que « ce monde à part » est aussi en contact avec d'autres mondes, d'autres réalités et d'autres modalités de représentations. Bien que le monde de l'art ne puisse rester complètement imperméable aux sensibilités qui le reçoivent en raison notamment des risques d'enfermement dans un élitisme reproduisant les rapports de domination, il ne nous apparaît pas plus souhaitable de complètement subordonner l'art à son utilité politique ou à une morale. La subordination de l'art au politique, à une cause, à « sa fonction communicative et sociale » ramène l'art au statut d'instrument. Il ne s'agit pas ici de dire que l'art militant n'a pas sa pertinence, bien au contraire, mais de reconnaître aussi la valeur d'un art engagé.

Rappelons que pour plusieurs historien·ne·s et sociologues de l'art, l'art militant est par nature contestataire, il interroge et remet en question les fondements d'un ordre politique jugé injuste. Bien que le dialogue avec le politique reste ouvert lorsqu'il s'agit d'art militant ou d'art engagé, ces deux formes d'art se distinguent, en ce sens que « l'art militant est une lutte présente constamment à l'esprit : il est indissolublement lié à une posture militante qui fait de l'art le champ d'un combat politique de chaque instant. L'art engagé quant à lui peut être un art intermittent : l'attachement émotionnel à la cause est moins fort que dans l'art militant, et ne requiert pas de continuité artistique [2] ».

Retour sur les polémiques engendrées par SLAV

La controverse entourant la production SLAV a incontestablement secoué les scènes intellectuelles, artistiques et militantes de la société québécoise. Certaines interprétations soulevaient avec justesse la difficulté de mettre en scène les souffrances collectives des communautés noires descendantes d'esclaves. Toutefois, une réception a priori militante de l'œuvre qui se situait davantage du côté de l'art engagé rendait difficiles des questionnements relativement à la valeur artistique de l'œuvre. Un déferlement tonitruant de lectures trop souvent polarisées et polarisantes s'est déployé à travers des interprétations strictement militantes d'un côté ou défendant à tout prix l'autonomie de l'œuvre de l'autre.

Trop de lectures nous empêchant de penser que, bien que le politique et l'art puissent se rencontrer (et que de leur rencontre peut émerger de grandes œuvres), ils constituent aussi deux domaines distincts de la vie sociale, deux façons singulières de connaître et d'appréhender le monde avec leurs codes, leurs forces et leurs limites. Ces deux manières de connaître et de représenter le monde n'ont peut-être pas à être en accord et peuvent coexister dans l'espace public dynamisé par la pluralité des voix le traversant.

En dépit de certains dérapages discursifs de celles et ceux qui se sont réfugiés dans l'invective plutôt que le dialogue, notamment à travers les réseaux sociaux qui contribuent parfois à nous rendre plus réactifs, coincés dans les filets de l'immédiateté, « l'affaire SLAV » a tout de même contribué à faire (re)surgir des questions d'une grande actualité politique, sur le rôle de l'artiste, la liberté artistique, en passant par l'hétéronomie de l'art. À cela s'est ajoutée une réflexion sur les conditions nous permettant de parler (ou pas) d'appropriation culturelle et de censure en ce qui concerne le domaine de l'art. Le débat autour de cette production théâtrale a bien révélé les particularités de l'art et du politique en tant que modes d'expressions et de connaissance distincts.

Ces modes d'expressions et de connaissance distincts peuvent se rencontrer, s'entrechoquer, se contredire nous rappelant notamment, comme le mentionne l'écrivain Umberto Eco, qu'une œuvre d'art est irrémédiablement « une forme achevée et close dans sa perfection d'organisme exactement calibré » et « ouverte au moins en ce qu'elle peut être interprétée de différentes façons, sans que son irréductible singularité soit altérée [3] ». En préservant la singularité et la spécificité de ces deux formes d'expression et de connaissance de notre humanité (le monde de l'art et du politique), nous sauvegardons un monde commun riche de la multiplicité de ses formes et de ses voix.

[1] Patricia Esquivel, L'autonomie de l'art en question. L'art en tant qu'Art, Paris, L'Harmattan, 2008.

[2] Laure Gillot, Art militant, art engagé, art de propagande. Même combat ?, publié en ligne en 2016.

[3] Umberto Eco, L'œuvre ouverte, Paris, Seuil, 1965.

Photo : Vestiaire, œuvre de l'ATSA, 2014 (Jean-François Lamoureux).

Regarde-nous

Anne-Marie Le Saux, Queen Ka — 2020-05-31T21:31:01Z

Artiste de poésie orale, Queen Ka est aussi connue sous son vrai nom Elkahna Talbi. Elle œuvre dans le milieu artistique depuis plus de dix ans. Infatigable créatrice, elle slame avec aplomb et s'engage dans plusieurs projets de co-création. Elle participe présentement au spectacle La Renarde, sur les traces de Pauline Julien qui sera en tournée au Québec au printemps 2019. Le texte que nous publions a été lu par Queen Ka dans le cadre du spectacle Fol ouvrage ; Torcher des paillettes. Ce texte lucide et sensible se veut une réflexion intimiste et politique sur un pouvoir qui tente d'humilier, de dominer, mais qui ne parvient pourtant pas à enfermer les femmes dans un mutisme écrasant. Ces femmes qui se dressent devant le pouvoir en lui disant nous sommes là, « regarde-nous ».Écrit en novembre 2017, Regarde-nous se présente comme un écho à la parole de ces femmes qui, à travers le mouvement #MoiAussi, se libéraient peu à peu des différents systèmes d'oppression. Juste et émouvant, il convoque le pouvoir pour lancer un dialogue et c'est en ce sens que réside sa puissance et sa beauté (Anne-Marie Le Saux).

mais je veux dire vraiment, regarde

ne dis rien

ne suppose de rien

tu ne nous connais pas

ne choisis pas la suite de l'histoire

les lieux où nous devrions poser nos têtes

je sais, que tu le sais à quel point nous sommes redoutables

ta peur nous enchaîne depuis si longtemps

que j'en suis moi-même venue

à ne pas plus savoir qui je suis

à croire que mon corps est fragile et frêle

ma volonté volage

mon rôle se résumant à

t'offrir mes atouts

que tu cueilles à la fleur de l'âge

me laissant prisonnière

étrangère à moi-même

mais notre pouvoir est immense

il te dépasse

tu l'as compris plus tôt que nous

voilà peut-être ta seule victoire

car

ce ventre a abrité tous les mythes

je leur ai donné à boire quand la nature était le plus grand ennemi

mes bras ont couvert des corps contre le froid et l'envie

j'ai porté à m'en courber le dos l'enfance de l'humanité

et même si l'histoire tu l'écris

amnésique de moi

je persiste à te dire

que j'en suis l'origine

alors regarde-moi et vois ce corps

j'en suis l'unique propriétaire

peut-être qu'entre mes jambes c'est encore la nuit

vivant dans l'ombre rassurante que m'offre mes cuisses

peut-être que la clarté du plaisir y séjourne sans papier

sous des bouches qui varient comme varie le temps

peut-être

que ce sont les doigts d'une autre

qui cherche le chemin vers l'amour

ou les miens agiles à presser sur la détente.

peu importe ce qui se passe ici-bas

ça ne concerne que moi

que nous

devant

le chemin

n'est pas sûr

Le poids oppressant de ta main sur ma tête

j'entends le venin couler dans mon oreille

ma confiance infectée

le doute en plein cœur

que mes mots pour me défendre

le trône est confortable

ton cul s'y moule si bien depuis longtemps

l'habitude est le plus grand vice de l'humanité

tu trembles à l'idée de céder ta place

mais contrairement à ce que tu pourrais croire

je ne veux pas m'y assoir sur cette chaise

je veux rester debout

devant toi

planter mes yeux dans les tiens

te dire : regarde-moi

là ici

face à face

Regarde-nous.

Photo : Un ensemble possible, œuvre de l'ATSA, 2017. (installation dérivée de l'intervention Et tout devient possible, 2015).

Les sublimes

Anne-Marie Le Saux — 2020-05-31T21:12:02Z

Un puissant recueil qui rend poétiquement hommage « aux femmes qui ont osé ».

Les sublimes. Hommage aux femmes qui ont osé. Adèle Blais, Nathalie Plaat. adeleblais.com, 2018, 80 P.

Ce recueil à deux voix est celui de l'artiste Adèle Blais et de l'autrice Nathalie Plaat portant leurs regards sur vingt-huit femmes à la fois puissantes et brisées, fragiles et frondeuses, qui se sont toutes engagées à leurs manières dans l'espace public. Ce recueil à la sensibilité à la fois poétique et politique regorge de beautés, de force et de tendresse. À travers ces portraits défilent les parcours de rebelles de tous acabits allant d'écrivaines, de résistantes, de féministes et d'actrices qui parce qu'elles étaient des femmes à des moments où le seul fait d'appartenir à cette « condition » était suffisant pour subir la fronde de systèmes réduisant ces dernières à des rôles précis et contraignants. Le portrait de Camille Claudel emportée par sa folie, celle-là même lui permettant de créer avec tant de talent et de fougue, évoque puissamment que « tout ce qui pulse effraie » et que tout ce qui déborde cherche à être contenu… Ce livre est une invitation esthétique et politique poignante permettant une fois de plus de penser aux luttes qui restent à embrasser les poings serrés, mais le cœur ouvert pour toutes les femmes avides de liberté, de créativité, de folie, de justice.

Même celles qui ont fait de grands accomplissements et qui se rapprochent des planchers du pouvoir se voyaient constamment remises à un niveau inférieur, comme si leur condition féminine les freinait : un « cerveau d'homme », une « femme avec des couilles », alors qu'elles étaient tout simplement des êtres humains dotés d'une grande intelligence. Nous avons ressenti dans nos tripes toute la révolte face à ces impossibilités qu'elles rencontraient.
Nathalie et Adèle

Illustration : Simone de Beauvoir par Adèle Blais.

Photo : Adèle Blais, artiste peintre collagiste (Francois Lafrance).

Des Affamés à La Chute de l'empire américain

Anne-Marie Le Saux — 2020-01-17T21:41:11Z

Animée par un insatiable appétit pour le cinéma, j'avais d'abord imaginé un bref billet sur le film Les Affamés de Robin Aubert. En dépit de mon intérêt quant à la singularité de ce cinéaste, il ne me semblait pas évident de commenter ce film dont je salue toutefois la particularité : naviguer avec brio à travers les codes de l'horreur et du fantastique dans le contexte de la cinématographie québécoise demeure une avenue pour le moins rarissime.

En tant que cinéphile, je crois résolument en la pertinence de visionner tout autant le cinéma de répertoire que celui qui s'adresse à un plus large public. C'est pour cette raison que l'écriture d'un bref commentaire sur la toute dernière production cinématographique de Denys Arcand me semblait aussi une avenue stimulante. Bien que tout semble a priori séparer ces deux films quant à leurs esthétiques cinématographiques, aux lieux des intrigues et aux thèmes abordés, ils proposent à leurs manières respectives un regard critique sur notre rapport à la société de consommation.

La société vue à la manière d'Aubert et d'Arcand

Mettant en scène des êtres déshumanisés qui érigent de hautes structures composées de meubles et d'objets hétéroclites à travers de vastes champs, Les Affamés semble proposer une certaine critique de la société de consommation. Une société de consommation qui, comme l'évoquait le philosophe Jean Baudrillard, se compose d'objets qui nous consomment. Au sein de cette dernière, l'objectivation des relations sociales, du corps et des individus a pris le pas sur le sujet et remplace le « monde réel » par des signes et des images, donnant ainsi l'illusion que le faux, l'image, le simulacre sont plus vrais que le réel lui-même.

Cette critique de la société de consommation, qui se déploie au sein des Affamés, semble résonner à travers la fascination qu'exerce cet amoncellement d'objets du quotidien sur ces êtres désormais zombifiés. Ces derniers s'immobilisent à plusieurs reprises devant cette force totémique sacralisant ce qui a été une société de consommation, qui a fini par détruire la société. Par ses structures et ses institutions, la société parvenait jadis à créer un tissu social suffisamment significatif agissant comme rempart à un individualisme exacerbé, individualisme symbolisé par ces zombies.

Ajoutons que les hautes structures se dressant au sein des Affamés, structures brillamment réalisées par la directrice artistique André-Line Beauparlant, rappellent par leur esthétique et leur symbolique Parc industriel, une installation éphémère in situ à l'angle des rues Sherbrooke et Clark, présentée il y a quelques années par le collectif artistique ATSA. Cette installation, qui prenait la forme d'un faux site touristique archéologique du futur, était composée de rebus et d'objets de consommation hétéroclites. Elle se voulait une invitation à découvrir notre civilisation déchue, permettant ainsi une foisonnante réflexion sur notre rapport aux objets, à l'environnement, à la société, au sacré, à l'autre. À l'instar de l'arche colossale composée de rebus qui se retrouvait à l'entrée du site Parc industriel, les imposantes structures principalement composées de chaises dans Les Affamés expriment la menace anthropologique que constitue le cycle de production infini sur lequel repose les sociétés comme la nôtre.

Pour sa part, La Chute de l'empire américain présente une critique du consumérisme et du capitalisme financiarisé, se déclinant cette fois à travers une explication didactique des évasions fiscales et par le tourment de ce jeune doctorant en philosophie qui, après avoir été témoin d'un vol à main armée raté, ne peut s'empêcher de s'emparer des deux sacs remplis de billets de banque qui s'offrent à lui. Quelques questions le taraudent alors : comment trouver le moyen de conserver plus de 10 millions de dollars en liquide sans alerter quiconque et pourquoi ne pas utiliser ce montant d'argent pour faire le bien ?

La réponse qu'offre Arcand à travers les actions de ses trois principaux personnages – le livreur-philosophe, l'escorte se présentant à ses clients sous le nom d'Aspasie (du nom de la courtisane cultivée qui a eu une certaine influence sur la politique dans l'Athènes antique) et l'ex-détenu-justicier – demeure décevante. Les bonnes actions de ces personnages s'adonnant à la charité ne reposent que sur des bases individuelles empêchant d'envisager une action collective et politique.

La voie empruntée par Aubert semble plus subtile, mais quelque peu nihiliste. Devant l'effondrement de la société comme pouvoir collectif nous liant inexorablement les uns aux autres par la force régulatrice de ses diverses institutions, il ne reste que des individus ne pouvant compter que sur eux-mêmes rencontrant sur les routes sillonnées par quelques rares vivants non zombifiés bien peu d'élans de solidarité.

Le langage face aux dérives

Il m'apparaissait pertinent de terminer ce billet en proposant quelques brefs commentaires sur le rapport au langage à travers ces deux films. L'œuvre contemplative d'Aubert trouve sa beauté et sa singularité par un travail sonore discret et pourtant bien présent, quelques magnifiques plans d'Ham-Nord et le peu de mots échangés par ses personnages. Ne pourrions-nous pas voir à travers les silences qui habitent ce film un écho à la difficulté de dire, de mettre en mots ce à quoi les humains font face lorsqu'il n'y a plus de cadre (de société) pouvant les accueillir et donner du sens ?

À l'économie de mots qui dessinent les pourtours cinématographiques des Affamés s'oppose, au sein de La Chute de l'empire américain, un déferlement de citations de quelques grands philosophes. Les dialogues des personnages, écorchant tantôt les politicien·ne·s de tous les horizons, tantôt les militant·e·s de gauche et les magnats de la finance, ne soutiennent que très rarement les pensées des grands philosophes cités. Des citations sont lancées, mais rarement approfondies à travers les conversations ; elles servent plutôt de répliques à une blague ou s'offrent comme amorces ou chutes à certaines scènes. La scène d'ouverture du film où le doctorant en philosophie se désole en discutant avec sa copine de la société de consommation, du pouvoir de l'argent, du manque d'intelligence et d'érudition de celles et ceux qui colonisent le petit écran et le monde de la finance demeure l'une des seules scènes où les citations de certains philosophes ne font pas uniquement office d'ornementations.

Malgré certaines critiques pertinentes portées par les personnages quant à la valeur donnée à l'argent, aux dérives d'un capitalisme financiarisé et de la rectitude politique, cette proposition cinématographique manque indéniablement de finesse. À l'image de la société de consommation, les dialogues restent en surface, réduisant ainsi la critique. De surcroît, le défilé tapageur de vedettes québécoises, les plans plutôt convenus de la ville de Montréal et les citations intellectuelles rarement approfondies laissent peu de place à ce qui m'interpelle davantage comme cinéphile : une œuvre qui dépasse la critique didactique. Le dernier plan d'Arcand trouve toutefois une certaine résonnance politique : à travers les quelques visages d'itinérants autochtones qui y défilent, une illustration peut-être de trop d'années d'humiliations, d'appropriations, de dominations par divers pouvoirs institutionnels invisibilisant les nations autochtones et les réduisant au silence.

Le renouvellement de l'action politique enseignante

Philippe de Grosbois, Anne-Marie Le Saux — 2013-01-24T21:56:23Z

Il régnait en ce mardi 6 mars 2012 au Collège Ahuntsic une atmosphère des plus fébriles ; plus d'une centaine de professeurEs de cégeps et d'universités se réunissaient pour la première fois afin de mettre en commun leur voix et leur résistance à la hausse des droits de scolarité. Un espace luxuriant d'action et de réflexion allait cristalliser les énergies militantes d'une multitude de professeurEs qui souhaitaient s'investir dans la lutte initiée par les étudiants et étudiantes des collèges et universités du Québec.

À la fin du mois de février 2012, plusieurs enseignantes et enseignants souhaitent que leur syndicat, leur fédération, leur centrale prennent part à cette lutte, en pensant notamment à la dernière grande grève étudiante, en 2005. À ce moment-là, les centrales syndicales n'avaient pas mobilisé leurs membres de manière substantielle, même si les étudiantEs avaient construit un rapport de force sans précédent face au projet néolibéral du gouvernement Charest. Voyant que ce scénario risque de se répéter, un réseau se constitue ayant comme objectif de ne pas uniquement appuyer les étudiantEs, mais aussi de prendre part à la lutte que ceux-ci ont initiée.

Un réseau souple

Réseautage donc, et non organisation formelle : pas de porte-parole (sauf lorsque le besoin se fait sentir dans le cadre d'une action) et une base d'unité claire et rassembleuse. Une page Facebook déjà en fonction depuis quelques mois, un site web (profscontrelahausse.org), une liste courriel et beaucoup de créativité. Sauf exception, peu de débats à savoir si l'on appuie telle ou telle action ; il s'agit plutôt d'ouvrir un espace de parole et d'action permettant aux professeurs militants de se retrouver. Chacun ne représente que lui-même, mais prend conscience de la nécessité d'agir collectivement.

Naissent au sein de ce terreau fertile de nombreux groupes de travail qui se forment et se déforment selon les désirs, intérêts et affinités de chacun et chacune, répondant ainsi aux impératifs du moment et à l'urgence des combats à mener. C'est par leurs actions politiques, critiques et percutantes, leurs plumes acérées, analytiques et fougueuses, leurs vidéos mettant en scène des professeurEs qui prennent la parole, par des manifestations spontanées, ainsi que par quelques actes de désobéissance civile non violente que les PCLH revendiquent leur place dans cette lutte.

La contribution de PCLH

Nous pensons que le regroupement des PCLH a contribué significativement au printemps québécois, en ce qu'il a été un premier signal montrant que « la grève est étudiante », mais que « la lutte est populaire », pour reprendre le slogan de la CLASSE. PCLH a été le premier groupe à se constituer en période de grève étudiante. Ont vu le jour par la suite les Parents contre la hausse, les Artistes contre la hausse, les Mères en colère et solidaires, les Infirmières, les Écrivains, les Juristes, les Aînés contre la hausse, etc.

PCLH a permis aux étudiants de se sentir accompagnés, tant symboliquement (par des lettres et déclarations participant à l'élaboration d'un contre-discours) que sur le terrain, lorsque les étudiantEs auront à faire face à plus d'un vent mauvais : mépris du gouvernement, déploiement du pouvoir d'État dans toute sa puissance, stratégies de contrôle et de manipulation des symboles, en particulier la diabolisation du carré rouge et de ceux qui l'arborent.

L'héritage de l'altermondialisme

Comment expliquer qu'un regroupement formé si rapidement, dans une certaine urgence même, a permis une telle explosion d'actions et de prises de paroles enseignantes contre les mesures « austéritaires » du gouvernement Charest ? À notre avis, les raisons de la force de mobilisation de PCLH sont semblables à celles qui ont donné au mouvement étudiant, et particulièrement à la CLASSE, tout son poids politique : pratiques horizontales, décentralisation, ouverture à une diversité d'approches, usage intensif des médias sociaux, création de liens par-delà les frontières organisationnelles, militantisme combatif. Ces parallèles ne sont pas le fruit d'une coïncidence : l'ASSÉ, comme PCLH, est la création de militantes et militants issus de l'altermondialisme du tournant des années 2000 (particulièrement le Sommet des Amériques) et de la grève étudiante de 2005. Le militantisme des années 2000 et 2010 est beaucoup plus influencé par la gauche d'inspiration anarchiste qu'auparavant, et les médias sociaux n'ont fait que renforcer cette tendance.

Dans cette perspective, si plusieurs assemblées syndicales enseignantes en sont venues à appuyer de manière plus substantielle leurs étudiantes et étudiants en lutte, le militantisme de PCLH est en rupture avec l'action syndicale plus classique, dont le fonctionnement est surtout articulé à travers la centralisation des responsabilités entre les mains de l'exécutif, la communication du haut vers le bas et l'unité autour d'une seule ligne stratégique. En ce sens, PCLH se veut également un vibrant appel de la base enseignante en vue de renouveler les pratiques syndicales tant locales que nationales. À plus long terme, et au-delà des tensions que nous pouvons remarquer entre la forme plus instituée de l'action syndicale enseignante et celle spontanée, libertaire et parfois un peu improvisée de PCLH, l'expérience a permis à des militantEs de se reconnaître en vue de mobilisations futures. Les professeurEs-activistes de PCLH sont progressivement devenus des acteurs à part entière du conflit et risquent fort de se manifester à nouveau, à l'intérieur comme à l'extérieur de leurs syndicats.