Revue À bâbord !

Art et féminisme. Quelques tendances significatives

Ève Lamoureux — 2020-05-24T17:45:16Z

L'art contemporain est emporté, depuis les années 1990, par une troisième vague du féminisme complexe et polymorphe. Certains modes d'exploration des décennies précédentes demeurent, mais de nouvelles préoccupations s'imposent. J'insiste ici sur certains courants qui s'emparent de la question identitaire, mais l'envisagent de façon innovante.

A posteriori, plusieurs ont reproché à l'art féministe des années 1970 d'être trop « essentialiste », de postuler une identité intrinsèque de « la » femme qui, de surcroît, niait la diversité de cette catégorie de genre. Depuis les années 1980, nous assistons, du moins dans certaines conceptions féministes, à une déconstruction de cette vision, initiée entre autres par des artistes racisé·e·s. Radicalisée depuis les années 1990, elle s'exprime notamment dans la pensée queer, et plus récemment dans la parole trans, ainsi que dans une pratique artistique qui témoigne de l'intersectionnalité et de l'éclatement des identités binaires.

La réalité d'une identité kaléidoscopique, mouvante, qui se développe avec une réflexion sur les rapports de domination, intéresse aujourd'hui un grand nombre d'artistes. Nommons, à titre d'exemple, Les Fermières Obsédées, qui nous offrent, depuis de nombreuses années déjà des performances déjantées qui déconstruisent les représentations genrées.

Échapper aux catégorisations binaires

L'art queer et trans gagne en importance. Combat esthétique et politique, il s'engage dans une transformation des pratiques artistiques et du champ de l'art. Virginie Jourdain, avec son exposition L'égalité des doigts (2013), s'intéresse aux droits de la communauté LGBTQ+, à la parentalité, à la violence ressentie découlant de l'assignation de sexe et de sexualité, notamment, par l'usage très appuyé des couleurs bleu et rose. Coco Riot, dans Genderpoo (depuis 2008), invente des signes de toilette différents et souvent ambigus montrant ainsi la diversité des corps et des registres identitaires.

L'artiste trans Ianna Book, dans la performance OK Lucid (2016), clavardait en ligne sur un site de rencontre, en public, afin d'observer les réactions de ses correspondants lorsqu'elle affirmait qu'elle était trans. Des expositions collectives s'organisent aussi comme Trans Time (Paris, 2016 ; Montréal, 2014) et Témoigner pour agir (Montréal, 2017-2018). Cette dernière, créée en collaboration avec le milieu communautaire québécois – LGBTQI, travailleuses du sexe et VIH/sida –, regroupait un ensemble de problématiques rarement explorées ensemble et des œuvres d'art communautaire et issues d'artistes professionnel·le·s.

Représenter autrement la sexualité

Des artistes féministes explorent une pornographie féministe, le sadomasochisme et défendent le travail du sexe. Dans certains de ses autoportraits, Catherine Opie révèle les plaies laissées sur son corps par des pratiques sadomasos consensuelles (Self-Portrait Cutting, 1993). Émilie Jouvet est une des figures phares de ce que plusieurs appellent la post-pornographie. Son documentaire Too Much Pussy ! (2010) suit sur les routes d'Europe les représentations d'un cabaret queer, transgenre, exhibitionniste et féministe. Se joue ici une transgression des divers styles artistiques et des rôles genrés liés à la sexualité, une appropriation du plaisir et de la représentation de la sexualité, de même qu'une contestation des limites de la sexualité dite conventionnelle. Ces pratiques soulèvent débats et controverses.

S'attaquer au postcolonialisme et au racisme

Les études postcoloniales ont aussi une influence sur l'art féministe. Des artistes comme Devora Neumark (Home Beautiful – Inviting in the Ancestors, 2011) explorent les blessures individuelles et collectives causées par le colonialisme et les génocides, favorisent l'émergence d'autres récits occultés par l'histoire et ouvrent les espaces de débats nécessaires pour transformer les rapports de pouvoir toujours existants. Idem avec Kama La Mackerel (My Body is the Ocean, 2017), qui co-initie des événements comme Gender Blender et Qouleur, un festival d'artistes LGBTQ+ spécifiquement racisé·e·s et autochtones.

Ces questions sont aussi omniprésentes chez plusieurs artistes autochtones comme Rebecca Belmore (The Blanket, 2011), Nadia Myre (The Scar project, 2005-2013) et Christi Belcourt avec son magnifique projet Walking With Our Sisters (depuis 2014), une installation artistique commémorant les femmes autochtones disparues et assassinées. Notons, plus largement, les combats des artistes autochtones et racisé·e·s pour la reconnaissance de leur pratique artistique, leur inclusion dans le milieu et la représentation de la diversité dans le paysage artistique et médiatique [1].

Ces pratiques artistiques féministes conçoivent qu'une transformation des rapports sociaux de domination exige de s'attaquer non seulement aux structures sociales, mais à l'esprit, au corps, aux affects et aux sensibilités des gens.

[1] Voir l'étude réalisée par Diversité artistique Montréal (DAM), Pour un processus d'équité culturelle. Rapport de la consultation sur le racisme systémique dans le milieu des arts, de la culture et des médias à Montréal, 2018.

Photo : Droits et libertés, œuvre de l'ATSA, 2004 (photographie dérivée de l'installation).

De la cuisine au studio

Ève Lamoureux — 2013-03-12T00:10:05Z

De la cuisine au studio, Anna Lupien, Montréal, Remue-ménage, 2012.

Anna Lupien dévoile dans cet ouvrage le parcours de douze femmes artistes québécoises, incitées, par le biais d'entrevues, à réfléchir à l'influence des rapports de sexe dans leur vie professionnelle et personnelle. Et la chose est d'autant plus intéressante que nous avons accès à trois cohortes d'artistes choisies parce qu'elles émergent publiquement à des périodes de « transformations sociales » : (1) 1940-1960 avec trois signataires du Refus global (Françoise Sullivan, Françoise Riopelle, Madeleine Arbour) ; (2) fin 1960 et début des années 1980 avec des artistes déterminantes dans les projets féministes de l'ONF (Anne-Claire-Poirier, Mireille Dansereau, Terre Nash, Bonnie Sherr Klein et Dorothy Todd Hénaut) ; (3) 1990 à aujourd'hui avec des artistes médiatiques impliquées au Studio X (Helena Martin Franco, Bérangère Marin-Dubuard, Christine Brault et Stéphanie Lagueux).

La perspective féministe antiessentialiste et matérialiste adoptée par l'auteure lui permet, avec beaucoup de respect pour l'autoreprésentation des femmes interviewées, de faire ressortir, d'abord, les grandes et petites luttes menées par ces artistes déterminées à exceller dans toutes les sphères de leur existence – luttes qui ont engendré certains gains dont profitent les générations suivantes ; puis, les difficultés partagées par ces femmes, qui illustrent bien les combats encore à mener. Se révèlent ainsi une première cohorte qui résiste à une identification directement féministe, une deuxième franchement plus militante et une troisième favorisant un féminisme « plus individualisé », sensible à la diversité identitaire et à « l'intersectionnalité des différents systèmes d'oppression ».

Ce livre est indéniablement une contribution intéressante à l'histoire et à l'influence de l'art féministe québécois. Très bien écrit, il se lit comme un roman. Il est accessible, sans être simplificateur. Lupien ne se contente pas de reproduire la parole de ces femmes artistes, mais propose une analyse sérieuse menée selon un cadre théorique adéquat, pertinent et nuancé. Deux petites critiques. Le choix intéressant d'interroger trois cohortes d'artistes et de ne pas se cantonner dans une discipline artistique engendre toutefois une analyse moins pointue des enjeux particuliers du féminisme et de l'engagement de chacune des périodes, de même que les caractéristiques singulières des résistances et luttes artisticopolitiques selon les différents médiums. En ce sens, certaines questions sont évacuées ou ne sont pas assez approfondies. En outre, si l'auteure avait choisi d'analyser aussi, plus en détails, certaines des œuvres des artistes interrogées, cela lui aurait permis d'approfondir les stratégies formelles et esthétiques adoptées par ces femmes artistes. Elle aurait pu ainsi rendre encore plus tangible la spécificité des rapports entre art et politique, art et féminisme.

IdAction mobile

Ève Lamoureux — 2013-01-24T23:04:40Z

Le 10 juillet dernier, j'ai eu la chance d'accompagner, le temps d'une soirée, un projet pilote surprenant et très intéressant d'Exeko : IdAction mobile. À bord d'une camionnette, nous avons sillonné les rues du centre-ville de Montréal à la recherche des lieux refuges des jeunes autochtones itinérantEs.

Notre but : faire de la médiation souple et modulable au moyen de livres et de revues bilingues à prêter (philosophie, sociologie, actualité politique, psychologie, romans, etc.), de tablettes à dessin et de crayons, d'un ordinateur pouvant diffuser des extraits de films ou de documentaires, d'appareils photo avec une imprimante portative, d'un « kit intellectuel » à donner comportant un carnet de notes et un crayon, de l'instrument de musique du médiateur. Nous accompagnions, du moins au début de la soirée, la caravane du Centre d'amitié autochtone, KA'WÀHSE (« où vas-tu » en mohawk), responsable depuis des années de la distribution de nourriture et d'un soutien médical et psychosocial. Je m'ajoutais à l'équipe courante, soit un médiateur et un bénévole. La richesse de certaines discussions nous a amenés à rester plus longtemps dans un parc et dans un refuge pour personnes itinérantes autochtones, alors que la caravane KA'WÀHSE a fait son parcours usuel, comprenant entre cinq et sept lieux. Résultat des courses : nous avons rencontré plus d'une dizaine de personnes, dont certaines assez intriguées pour choisir un livre ou un « kit intellectuel ». Comme nous avions hérité de la soupe fournie par le Centre d'amitié autochtone, nous avions un prétexte pour entrer en contact. Cela dit, quelques habituéEs se sont directement dirigés vers notre véhicule, empruntant volontiers les tablettes à dessin et les crayons, le temps d'aller créer leurs œuvres dans le parc voisin. En l'espace de trois heures, nous avons vécu quatre moments privilégiés de discussion au sujet de la lecture d'un livre prêté la semaine précédente, de la confection de dessins, du cinéma et de la musique et des chants autochtones ; le tout accompagné de confidences sur certaines expériences personnelles.

Un projet pilote entrelaçant éducation, médiation et engagement communautaire

La soirée s'est avérée définitivement riche. J'ai pu constater de visu que la camionnette d'Exeko et ses médiateurs commençaient à réellement s'intégrer dans le paysage et avaient gagné la confiance de certaines personnes. La stratégie d'insertion employée est donc efficace. Ce projet pilote de deux ans comprend une phase d'implantation progressive de six mois. Au moment de mon passage, seuls trois mois s'étaient écoulés, période pendant laquelle les médiateurs culturels se sont d'abord joints à la caravane KA'WÀHSE, puis ont suivi celle-ci à bord d'une camionnette vide, remplie très progressivement et décorée des logos de l'organisme. Plusieurs choses restent encore à intégrer : une table et des chaises, un petit écran de projection, un poste internet, des services postaux pour favoriser les liens avec les familles vivant dans les communautés d'origines, la venue de divers intervenants ponctuels (des artistes, par exemple), etc. Les deux caravanes sont en action quatre jours par semaine. Le mercredi soir, le Centre d'amitié autochtone propose des soirées culturelles dans ses locaux. Les médiateurs d'Exeko animeront certaines d'entre elles.

IdAction mobile [1] propose donc un mélange peu usuel d'éducation (« pédagogie ouverte » [2]), de médiation (entendue dans son double sens de démocratisation et de démocratie culturelles) et d'engagement communautaire. Il se situe au cœur de l'expertise spécifique d'Exeko, un organisme sans but lucratif dont la mission est de « favoriser, par la culture et l'éducation, l'inclusion et le développement des populations les plus marginalisées » [3]. Il utilise, entre autres, la performance, le théâtre invisible, le détournement et la rumeur. L'organisme détient une solide expérience d'intervention/action auprès et avec de jeunes autochtones (en communauté, en famille d'accueil, en situation d'itinérance), de jeunes criminaliséEs (entre autres dans des milieux carcéraux), de jeunes décrocheurs et décrocheuses sur les plateaux de réinsertion, de personnes souffrant de déficience intellectuelle, etc. Il place au cœur de sa stratégie la création de partenariats novateurs visant à créer des ponts entre les différents milieux, notamment culturels, communautaires et d'intervention sociale. Gageons qu'IdAction mobile aurait eu beaucoup plus de difficultés à s'implanter sans le travail collaboratif étroit avec le Centre d'amitié autochtone de Montréal et aurait, sans doute, bénéficié d'une moins grande légitimité. En outre, le projet implique d'autres alliances (dont certaines ne sont pas encore mises en œuvres) avec, entre autres, la Wapikoni mobile [4] afin de diffuser les films réalisés par de jeunes autochtones, le Centre Turbine qui prête des équipements vidéo et sonore, et l'Institut du nouveau monde qui fournit un accès privilégié à sa plateforme Parole citoyenne.

Les visées d'IdAction

IdAction mobile est une des ramifications que prend le programme IdAction, implanté dans des milieux variés. Le but est de lutter contre l'exclusion sociale en s'attaquant à ce qu'Exeko considère comme sa source : « le sentiment de ne pas avoir la possibilité de s'inclure socialement et celui d'être cloîtré dans l'ignorance ». Trois axes sont explorés, soit l'esprit critique, l'analyse sociale et l'action citoyenne. IdAction engendre un travail sur la fierté personnelle, l'autonomie, l'espoir en l'avenir, la prise de conscience du rôle social de chacune des personnes et le « potentiel de l'action solidaire ». Il vise à créer des lieux d'échanges, d'apprentissage et de création en commun ; un « espace de prise de position citoyenne et de diffusion de parole citoyenne ». Je reconnais ici un désir partagé par plusieurs artistes engagés dans des projets de médiation culturelle ou d'arts communautaires. Ces derniers souhaitent, au moyen d'un travail créatif collaboratif, contribuer à l'empowerment de personnes vivant des situations sociales d'exclusion et de marginalisation. Certains combattent aussi, simultanément, les causes de la souffrance sociale engendrée par les différentes formes de domination. L'agir en commun, l'ouverture d'espaces de discussions et de réflexions exempts de jugements, la création artistique, l'instauration de rapports les plus égalitaires possible contribuent à mener à bien des processus de subjectivation (qui peuvent devenir politique) afin que ces individus (re)deviennent sujets/acteurs de leur vie et de celle de leur collectivité.

Vers une citoyenneté réelle

Dans le cadre spécifique d'IdAction mobile, les participantEs souffrent d'une double exclusion sociale : en tant qu'itinérantEs et en tant qu'autochtones. En complémentarité des ressources alimentaires, médicales, psychosociales déjà existantes – et sans lesquelles un tel projet ne pourrait pas avoir de sens –, Exeko entend contribuer à une « sortie de la contingence et de l'immédiateté », favoriser une inclusion et une participation à l'« environnement social ». Il s'agit donc de fournir du matériel intellectuel et artistique ; d'expérimenter et de cocréer des méthodes et des stratégies favorisant l'emploi de l'esprit critique et son développement ; d'ouvrir des espaces de dialogue. Les questions au cœur du projet sont celles de l'inclusion sociale, de l'identité collective et de la citoyenneté. « Donner aux jeunes autochtones marginalisés le pouvoir de se faire comprendre et entendre. » Le rôle du médiateur culturel est celui « d'interlocuteur/créateur de liens et de sens ». L'action envisagée est de nature concertée.

On quitte donc ici la relation d'aide pour une action plus proche de celle des groupes communautaires de défense de droits, avec leur riche tradition de pédagogie alternative et critique. Exeko, par contre, situe au cœur de ses stratégies la culture et l'art. Voilà une de ses spécificités, ce qui explique son originalité profonde, ce qui en fait un organisme culturel extrêmement riche et pertinent. Souhaitons donc la pérennisation d'initiatives telles IdAction mobile et l'évolution de cet espace ambulatoire en tant que lieu engagé d'activités intrinsèquement interdisciplinaires, entrelaçant l'action sociale, le cheminement intellectuel et l'art. Les artistes et les bénévoles intéressés par cette initiative sont d'ailleurs invités à contacter l'organisme.

[1] Le projet est dirigé par les deux cofondateurs d'Exeko, Nadia Duguay et François-Xavier Michaux. Il comprend une coordonnatrice, Dorothée DeCollasson, et trois médiateurs : Youssef Shoufan, Jean-Philippe Lefebvre-Louis et Frédéric Péloquin (d'autres s'ajouteront dans les prochains mois). Il exige aussi la participation de plusieurs bénévoles et l'implication ponctuelle d'autres travailleurs et travailleuses de l'organisme.

[2] Les citations de cet article proviennent du « Dossier de présentation IdAction », créé en septembre 2011, dont Exeko m'a fourni une copie.

[3] Je ne peux que vous encourager à aller voir les différents programmes mis sur pied : http://exeko.org/.

[4] Voir le site de cet autre très beau projet : http://wapikoni.tv/.

Photo : Manuel Caballero, voleurdecouleurs.com

Agir par l'imaginaire

Ève Lamoureux — 2012-09-01T02:45:07Z

Vous avez probablement entendu parler, au printemps dernier, d'Agir : Art des femmes en prison, une exposition réalisée grâce à un travail collaboratif entre 8 artistes [1] professionnelles [2] et 49 femmes incarcérées dans deux établissements pénitenciers, une maison de transition et un institut psychiatrique. Le projet a permis aux participantes d'explorer leur expérience de vie, mais revisitée à partir d'une interrogation sur les liens entre la pauvreté, l'exclusion et la criminalisation. Deux objectifs étaient poursuivis : un travail sur soi par le biais d'une création intimement liée au récit autobiographique (apaisement des blessures et empowerment), et une critique sociopolitique à l'encontre des préjugées dont souffrent les femmes criminalisées et des prisons jugées inadéquates pour répondre aux problèmes systémiques de pauvreté et de violence vécus par les femmes.

Agir émane de deux organismes sans but lucratif fort différents ayant choisi de mettre en commun leurs expertises et de travailler de concert pendant plus de quatre ans : Engrenage noir / LEVIER, dont la mission est de soutenir des projets d'art communautaire et activiste, et la Société Élisabeth Fry du Québec, qui défend et appuie, par des services de réhabilitation, les femmes criminalisées. Onze ateliers, d'une trentaine d'heures chacun, ont ainsi été organisés autour des pratiques artistiques telles le chant, la vidéo, l'acting, l'autoportrait, le slam, la photo, le son, la danse, le stopmotion et la performance. Une attention spécifique a été portée au processus collaboratif. Le contenu et la forme des œuvres créées ont été décidés collectivement et ont exigé l'apport créatif de toutes les personnes impliquées.

Malgré le travail et le temps qu'exigent les processus créatifs délibératifs comme ceux réalisés, les organisatrices d'Agir ont aussi consacré énormément d'énergie à l'exposition publique des œuvres. Pourquoi ? En premier lieu, par souci artistique. Toutes les personnes engagées dans cette expérience se devaient d'être fières des œuvres exposées et, plus encore, le résultat obtenu devait démontrer que des projets de démocratie culturelle et de cocréation, impliquant des personnes néophytes à l'art, pouvaient proposer des œuvres de qualité suscitant l'intérêt du public. Une année a été consacrée à l'élaboration de l'exposition Agir : Art des femmes en prison, qui a eu lieu à la Galerie Eastern Bloc du 27 mai au 16 juin 2011. Pour ce faire, une commissaire a été engagée non pas pour sélectionner les œuvres – puisque tout ce qui a été créé a été exposé –, mais pour déterminer, en collaboration avec les organisatrices du projet, un concept d'exposition les mettant en valeur. Parallèlement, un autre organisme culturel sans but lucratif, les Filles électriques, ont confectionné un livre reprenant plusieurs des textes et des œuvres visuelles créées par les participantes : Temps d'agir, publié chez Planète rebelle (2011). Enfin, certaines participantes et artistes ont décidé de poursuivre l'aventure en créant Art Entr'elles, « un collectif de femmes artistes qui disent NON à la violence, à la pauvreté et à l'intolérance. [3] »

L'importance accordée à la visibilité publique provenait aussi des objectifs sociopolitiques poursuivis : contribuer à changer le regard social porté sur les femmes criminalisées, combattre la pauvreté et la violence et susciter un débat sur le rôle des prisons. Les organisatrices d'Agir ont fait preuve d'un souci stratégique peu usuel dans le cadre de ce type de projet (site Internet, porte-parole, attachée de presse, etc.) afin d'apparaître et de se faire valoir dans l'espace public. Les efforts ont porté leurs fruits, l'exposition jouissant d'une couverture médiatique assez exceptionnelle (dont la première page de deux grands quotidiens et des entrevues radiophoniques et télévisuelles aux heures de grande écoute). Je ne peux que vous encourager fortement à aller visiter le site web [4] de l'exposition sur lequel vous trouverez une description du projet, certaines des œuvres créées et une revue de presse.

L'art communautaire selon Engrenage Noir / Levier

Agir par l'imaginaire entre dans la catégorie de l'art communautaire, que l'on peut globalement définir comme des pratiques artistiques exigeant un travail créatif collaboratif étroit entre un artiste (ou des artistes) et des membres d'une communauté. Cette forme d'art a de fortes connotations sociales – et parfois politiques – puisque les communautés dans lesquelles prennent place les projets sont, le plus souvent, constituées de personnes partageant des situations d'inégalité et de marginalité. Les artistes et les personnes participantes s'engagent ainsi dans un processus créatif collectif visant à agir sur ces dernières, à contrer leurs effets, à les dénoncer, à les transformer. En ce sens, il permet à des gens généralement inaudibles et invisibles de mener un processus de subjectivation (qui peut devenir politique), d'apparaître dans l'espace public et de présenter leurs revendications et leurs propositions d'alternatives culturelles, sociales, politiques et économiques.

Bien que l'art communautaire québécois existe depuis plusieurs décennies et qu'il se décline de façon extrêmement diversifiée (en fonction des artistes, des projets, des communautés), un travail essentiel, depuis plus de 10 ans, a été mené par Engrenage noir / LEVIER [5], sous la direction de Johanne Chagnon et Devora Neumark : réseautage entre les artistes, les groupes militants ou communautaires et les analystes de cette forme de pratiques ; travail réflexif collectif avec des acteurs diversifiés sur la définition de l'art communautaire et de ses enjeux artistiques, éthiques et politiques ; et initiation et soutien de multiples projets artistiques, toujours non seulement réalisés, mais conceptualisés en partenariat avec les membres d'une communauté. Il découle de ce travail créatif et réflexif une mémoire des projets menés et de leurs effets sur l'ensemble des personnes y ayant pris part, de même qu'une théorisation sur ce qu'est et ce que devrait être l'art communautaire. Ce matériel très riche a fait l'objet d'un ouvrage bilingue important pour toute personne intéressée à l'art engagé, Célébrer la collaboration : Art communautaire et art activiste humaniste au Québec et ailleurs / Affirming Collaboration : Community and Humanist Activist Art in Québec and Elsewhere [6].

Au fil des expériences et des discussions, les personnes liées à Engrenage Noir / LEVIER ont affiné leurs critères définitionnels de l'art communautaire. Elles insistent tout particulièrement sur deux éléments qui me paraissent essentiels et expliquent la qualité des projets menés, comme celui d'Agir par l'imaginaire. D'abord, à un niveau souvent décrit comme éthique, une attention toute particulière est portée à la qualité de la collaboration entre les artistes et les personnes participantes. Loin d'adopter une posture avant-gardiste (la dévotion missionnaire de celui qui s'engage et l'arrogance de celui qui sait), l'artiste s'investissant auprès d'une communauté le fait parce qu'il est directement interpellé par les questions explorées et parce qu'il veut le faire en réelle collaboration. L'idée est de travailler « avec » les personnes en premier lieu concernées et non « au nom de ». Les rapports instaurés sont égalitaires. Il y a reconnaissance et prise en compte de l'apport créatif des personnes participantes, de leur expérience et de leur expertise. Il y a cocréation au sens profond du terme, débats et délibérations au sujet de toutes les étapes du projet : les objectifs, la démarche, le thème de l'œuvre, l'exposition, etc. Ces conditions garantissent le respect de toutes les personnes cocréatrices, mais elles sont aussi essentielles au processus d'empowerment et de subjectivation.

Deuxièmement, l'art communautaire, du moins c'est l'objectif poursuivi par cet organisme, lie étroitement travail sur soi par le biais de la création et de la délibération (menant idéalement à un mieux-être individuel et communautaire) et combat sociopolitique. Il s'éloigne donc assez radicalement de l'art thérapie et même de plusieurs pratiques de la médiation culturelle, du moins celles qui visent à pacifier les rapports sociaux et non à s'attaquer à la domination et aux inégalités.

Mon article souligne l'apport précieux d'Engrenage Noir / LEVIER à la pratique de l'art communautaire et à sa théorisation. Je voulais leur souhaiter bon dixième anniversaire et, surtout, susciter l'intérêt, auprès des artistes, des militants, des groupes communautaires pour de nouvelles collaborations, de nouveaux projets de luttes artisticosociales ou artisticopolitiques.

Malheureusement, on apprenait, il y a quelques jours à peine, l'arrêt des activités d'Engrenage noir / LEVIER, du moins d'ici quelques mois, le temps de terminer les engagements déjà pris. Sans aucun doute, cette disparition va laisser un vide. Il n'en reste pas moins que l'expertise développée au fil des ans est maintenant accessible (grâce à l'ouvrage publié), et que le Québec est un terreau très fertile pour l'art communautaire. Il suffit de continuer à le cultiver !

[1] Reena Almoneda-Chang, Hélène Engel, Adrew Harder, D. Kimm, Paul Litherland, Jessica MacCormack, Émilie Monnet et Meena Murugesan.

[2] La très grande majorité des personnes impliquées dans ce projet (organisatrices, artistes, participantes) étant des femmes, nous employons le féminin.

[3] Voir une description des activités de ce collectif : http://www.engrenagenoir.ca/blog/archives/category/art-entrelles.

[4] http://www.expoagir.com/media.html.

[5] http://www.engrenagenoir.ca/blog/.

[6] Sous la direction de Johanne Chagnon, Devora Neumark et Louise Lachapelle, Montréal et Calgary, Engrenage noir / LEVIER, Lux Éditeur et Detselig entreprises LTD, 2011.

« Agir par l'imAGinaIRe m'a donné la liberté d'explorer et de m'exprimer à travers les arts. Ça m'a surtout donné la confiance qui me manquait pour entrevoir un avenir. Je souhaite que mes œuvres fassent tomber les préjugés à l'égard des femmes et leur apportent un support dans leurs démarches afin de leur ouvrir des portes. »
Témoignage de Carole, participante à l'atelier slam et photo.

« Mon implication dans le projet m'a permis de prendre ma place en tant que citoyenne. »
Pascale, participante à l'atelier acting.

« Je me libère des préjugés que j'aurais pu avoir. »
Émilie Monnet, artiste professionnelle et participante à l'atelier acting.

Une révolte citoyenne par l'art

Ève Lamoureux — 2009-12-12T21:22:21Z

Au Québec, l'expression art engagé évoque spontanément les années 1970, décennie pendant laquelle une masse critique d'artistes s'est mobilisée du côté des forces militantes marxistes, indé-pendantistes, féministes. Depuis, cette période est évoquée avec nostalgie ou cynisme (selon l'analyse produite), mais très souvent comme un moment historique passé. L'ère de l'art engagé serait révolue ! Pourtant, avec la résurgence du militantisme lié aux protestations antiguerre, aux mouvements altermondialistes, aux préoccupations environnementales et équitables, on assiste, depuis une dizaine d'années, à un regain de l'engagement artistique et politique et à une redéfinition de ses paramètres.

L'ATSA est un des groupes québécois phares de l'art engagé actuel dans le domaine de l'art vivant multidisciplinaire (installations, manœuvres, interventions urbaines). Non seulement il suscite un engouement assez remarquable de la part d'un public large et diversifié, mais il renouvelle le militantisme artistique grâce à des stratégies subversives originales.

Créé en 1997 par un couple uni autant dans la vie que dans l'art, Annie Roy et Pierre Allard, l'ATSA est un organisme sans but lucratif comprenant des membres visant à appuyer ces artistes dans leurs prolifiques projets d'art engagé. Ce mode organisationnel particulier permet à Roy et Allard de prendre position dans l'espace public de manière collective, d'offrir concrètement un lieu original d'engagement et de porter une certaine « image de marque » qui accroît leur visibilité et leur influence ; l'ATSA étant un nom connu du grand public, chose en soi assez remarquable pour des artistes multidisciplinaires, mais dont la discipline de base est la danse, pour l'une, et les arts visuels, pour l'autre ! Cette visibilité est assurée par une présence remarquée dans l'espace de la ville et dans l'espace médiatique.

Des œuvres percutantes

L'évocation de deux séries d'œuvres, les États d'urgence et les Attentats, rappellera à plusieurs qu'ils/elles connaissent déjà l'ATSA, qu'ils/elles ont croisé leurs manœuvres lors de déambulations dans la ville ou qu'ils/elles l'ont découverte dans les médias.

Presque chaque année depuis sa fondation, l'ATSA organise un « Manifestival d'art » avec et pour les gens de la rue, situé en plein hiver pendant quelques jours sur la place Émilie Gamelin. Reprenant la symbolique des camps de réfugiés, des tentes sont érigées, le gîte et le couvert offerts à tous ceux et celles qui le désirent. Les sans-abri, les artistes et le grand public se côtoient ainsi, mangeant et dormant ensemble, échangeant et assistant à de multiples performances artistiques de tous ordres (plusieurs sont d'ailleurs participatives, incitant les personnes à devenir cocréatrices d'œuvres). Roy et Allard visent ainsi à dénoncer l'itinérance et la pauvreté. Ils créent une agora citoyenne dans laquelle des gens de toutes provenances se rencontrent, prennent position, partagent leurs expériences, réfléchissent sur de multiples enjeux sociopolitiques et débattent. Enfin, ils créent une œuvre conceptuelle très évocatrice dans l'espace de la cité, s'associent à des dizaines d'artistes qui s'exposent et exposent leurs œuvres, et favorisent le côtoiement de l'art vivant et son appropriation par des personnes non initiées.

Plusieurs Attentats ont aussi été réalisés au cours des dernières années. Dénonçant la pollution, valorisant une consommation, notamment énergétique, responsable et équitable, Roy et Allard exposent, sur les rues très passantes des métropoles du pays, une sculpture représentant un véhicule utilitaire sport (VUS) venant d'exploser. Une « vidéomanifeste » alerte les passants sur les dangers écologiques liés à la surconsommation de pétrole ainsi que sur les enjeux géopolitiques que se livrent les grandes puissances pour le contrôle de cette ressource. Les artistes, présentes sur les lieux, rassurent certains badauds inquiets et discutent de leur opinion. En outre, une campagne de « contravention citoyenne » a été menée dans plusieurs villes. À télécharger sur le site de l'organisme, ladite contravention était distribuée, par quiconque le souhaitait, aux automobilistes qui laissaient leur moteur tourner lorsqu'ils étaient en arrêt. Malgré un texte explicitant l'action et sollicitant des « fonds compensatoires » pour l'ATSA, plusieurs, confondus par le réalisme de la contravention, ont communiqué avec la police soit pour payer, soit pour comprendre de quoi il retournait. Dans certaines régions, les journaux locaux ont largement fait écho à des citoyennes mécontentes, mais des centaines d'autres se sont livrées avec plaisir à cette manoeuvre artistique de subversion.

Une démarche artistique militante

Roy et Allard sont des artistes conceptuels qui misent sur une représentation hyperréaliste d'images percutantes visant à troubler l'imaginaire des gens. Celles-ci sont parfois assez provocatrices. Le plus souvent, elle et il exposent et performent de façon très visible dans des lieux passants. Leurs œuvres transmettent du sens, un message lié à l'environnement, la justice sociale, le patrimoine, l'économie équitable axée sur le développement durable. Elles visent donc à conscientiser les gens.

Outre ce message, la dimension interactive et même participative de leur art est extrêmement importante. Pourquoi ? D'abord, l'ATSA a la prétention de défendre une vision du monde partagée non pas par deux artistes, mais par une certaine collectivité ; de là les membres en appui, mais aussi l'offre de participation à un public plus large. Ensuite, dans le prolongement de l'Internationale situationniste et de l'art sociologique, le but de Roy et Allard est non seulement d'initier un regard critique sur le monde mais, plus encore, de transformer le public, citoyen passif, en acteur de l'art et de la société.

Leur moteur de création est de type activiste : la colère, l'urgence, le besoin d'action. L'art est pour eux une façon de contenir, de canaliser cette révolte afin de lutter, de façon non violente, pour des changements de nature réformiste. Il est aussi ce qui permet de sortir de l'indignation passive afin d'agir, puisqu'il fournit une pulsion, un élan qui, espèrent les artistes, se concrétisera dans un engagement citoyen : « Notre volonté est que l'art soit la réalisation de notre pouvoir et non l'expression de notre impuissance [1]. » Ainsi, la transformation sociopolitique passe, d'abord, par des changements opérés à la microéchelle de chaque individu. La multiplication des actions et de la mobilisation engendre à terme – du moins, c'est l'espoir – des mutations au niveau macropolitique.

Continuité et rupture dans la vision de l'art engagé

La conception du rôle sociopolitique de l'art de Roy et Allard comprend certains éléments associés plus spontanément à l'art engagé des années 1970 : une prise de parole affirmée et facilement lisible, une vision normative qui « dicte » aux gens des « comportements éthiques et responsables », une association très étroite entre l'acte militant et l'acte artistique, un emploi fréquent du mode spectaculaire et une croyance dans l'idée que l'art peut concrètement contribuer à changer le monde, même si – et c'est essentiel – ces artistes n'adhèrent pas à l'idée révolutionnaire d'une transformation brutale et complète au sens marxiste-léniniste.

Cela dit, l'art engagé pratiqué par Roy et Allard recèle aussi plusieurs éléments originaux qui illustrent des stratégies adoptées par plusieurs artistes actuelles afin de renouveler le militantisme artistique et politique. D'abord, l'autonomie tant artistique que politique des artistes est assurée par la création d'un organisme indépendant et par la multiplication des causes soutenues. L'ATSA met en œuvre ses combats et choisit toujours la forme de ceux-ci. Cette autonomie, cependant, n'entraîne pas un rejet de l'action collective. Au contraire, l'organisme a des membres, il collabore ponctuellement avec d'autres (collectifs militants, artistes, etc.), et les œuvres se déploient grâce à la participation des gens. De plus, la prise de position affirmée de Roy et Allard (rappelant le rôle avant-gardiste des intellectuels humanistes) est contrebalancée, souvent, par l'intégration d'une multiplicité d'acteurs qui suscitent la discussion, le débat. Ces artistes revendiquent le droit citoyen de prendre positon dans l'espace public, mais elle et il ne le font pas en prétendant être les seules à posséder la vérité. Ils inscrivent dans leurs œuvres l'importance du débat sociétal. Enfin, Roy et Allard se tiennent dans une position mitoyenne entre la marge et l'intégration. Elle et il s'inscrivent à la fois en dehors et en dedans du milieu de l'art et du milieu militant plus traditionnel. Ils ne refusent pas les subventions, mais ne font aucun compromis pour les obtenir et cherchent des méthodes alternatives de financement. Elle et il se sont engagés dans un jeu stratégique avec les médias. Le pragmatisme est ce qui dicte leurs affiliations avec les acteurs gouvernementaux, policiers, médiatiques.

[1] Sonia Pelletier, « À l'origine d'une rencontre avec l'ATSA » dans ATSA quand l'art passe à l'action, sous la dir. de Pierre Allard et Annie Roy, Montréal, ATSA, 2008, p. 14.